Selección de imágenes procedentes de publicaciones mías en las redes sociales:
Jacinto y Apolo; El dandy moribundo; La Catrina de Diego Rivera; Santa Cecilia Guido Reni; San Mateo de Bronzino; David de Donatello; Decamerón de John Everett Millais; San Sebastián de Ángel Zárraga; Retrato de Tolouse Lautrec; Los luchadores de Eatkins; Arlequín de Picasso.
Den döende dandyn (El dandy moribundo) Nils Dardel, 1918. Moderna Muséet de Estocolmo.
"El dandy debe aspirar a ser sublime sin interrupción. Vivir y dormir frente a un espejo"
El moribundo tiene la mano izquierda en el corazón y no mira hacia el cielo, sino en el espejo de mano contemplando su imagen hasta el último aliento, como buen dandi estará pendiente de su propia imagen hasta el final.
Otro elemento del cuadro son los acompañantes, se han hecho paralelismos con la muerte de Jesús. Según éstos el otro dandy lloroso sería el discípulo amado, Juan; la mujer de naranja un ángel y las otras dos mujeres Maria y Magdalena (de rojo).
El cuadro puede representar el cambio de vida del propio Nils, que vivió como un dandi y normalmente rodeado de homosexuales hasta 1918 que decidió casarse y asentarse en Suecia.
Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central.(Detalle: la Catrina)
Diego Rivera, 1947. Museo Diego Rivera, México D.F. Mural 4,8 x 15 m
Imagen de la Catrina. A su izquierda, Diego Rivera (niño) y Frida Kahlo; a la derecha, José Guadalupe Posada, autor de la imagen original de la Catrina.
El nombre original fue Calavera Garbancera. «Garbancera» es la palabra con la que se conocía entonces a las personas que vendían garbanzos y que teniendo sangre indígena pretendían ser europeos y renegaban de su propia raza, herencia y cultura. Rivera fue quien le dio su atuendo característico, con su estola de plomos en este mural.
Aquí se la representa como un esqueleto de clase alta vestida de gala, con sombrero francés con sus plumas de avestruz que representa la miseria, los errores políticos y la hipocresía de toda una sociedad. Frida, por esta época esposa de Rivera, lleva el símbolo del yin y yang, logo oficial del taoísmo.
1606 Santa Cecilia de Guido Reni. Norton Simon Museum. Pasadena, California.
Al igual que Antígona, Cecilia de Roma quiso dar sepultura a su hermano ya su marido en contra las órdenes de los "pérfidos" romanos. Como castigo recibió un largo martirio de tres días, por lo que la hicieron santa.
Una leyenda que corrió mil años después de su muerte, dice que mientras ella moría a causa del martirio, iba orando a Dios cantándole. Por este hecho en 1594, Gregorio XIII la proclamó patrona de la música.
Benjamin Britten (sobre un texto de W.H. Auden) le compuso un himno, podéis mirar aquí el poema: https://poemas.nexos.com.mx/?p=1728
San Matteo Evangelista Bronzini 1525. Cappella Capponi, Florencia
En la antigua cúpula de la Cappella Capponi en la iglesia de Santa Felicità de Florencia, aparecen representados en formato circular los cuatro evangelistas.
Mateo es reconocido por la presencia del ángel (el ángel alado de los tetramorfos), un querubín que sobresale con una sola ala del borde inferior, mirando hacia el evangelista y quedando medio cubierto por el codo. Tiene el corte más escultórico, con un tratamiento más frío de la epidermis y una búsqueda más clásica de la belleza formal del rostro, que a simple vista podría parecer incluso femenina.
Mateu nos mira con la boca entreabierta y el cabello rojo despeinado es una imagen de corte escultural, con un tratamiento gélido de la epidermis y una búsqueda de una belleza formal más clásica en la cara.
David de Donatello (Il David). Museo Nazionale del Bargello, Florencia. 1440
Es una escultura en bronce realizada en el año 1440 por encargo de Cosme el Viejo. La escultura representa a David momentos después de haber vencido al Goliat.
Es la primera vez que se representa a un hombre desnudo desde la antigüedad clásica. Por primera vez la escultura deja de necesitar un marco arquitectónico para apoyarse en él.
¿Por qué Donatello representa desnudo a David? Pues porque quería imitar las líneas compositivas de antiguos maestros como Policleto o Praxíteles. Así, el cuerpo de ese adolescente no representa sólo un tema religioso, sino también mitológico y social. Es una alegoría. Es el coraje derrotando a la fuerza. ¿Florencia frente a Milán?
Algo queda claro, en el Quattrocento la sociedad era más tolerante que los actuales censores de Facebook.
Lorenzo and Isabella
John Everett Millais, 1849. The Walker Art Gallery, Liverpool
Millais, con sólo 19 añitos captó magistralmente esta historia del Decamerón en una sola escena.
El cuadro está lleno de símbolos y referencias: la maceta de albahaca en la terraza, la media naranja, el arco floreado que une las cabezas de los enamorados, la fidelidad del galgo, un halcón que picotea una pluma blanca, un salero derramado. .
Isabela era una chica soltera. Todos querían para ella un marido rico, pero ella se enamora de un don nadie. ¿Solución?: secuestrar a Lorenzo y matarlo en el bosque, donde lo entierran. Pero él se le aparece en Isabela en sueños y le cuenta lo ocurrido. Ella lo desenterra y entierra la cabeza en una maceta con albahaca de su casa. La planta crecerá hermosa, regada por las lágrimas de la pobre chica, pero ésta acaba muriendo de...
Como orgulloso prerrafaelita firma: PRB (Pre-Raphaelite Broterhood).
Exvoto (San Sebastián). Ángel Zárraga, 1912. Museo Nacional de Arte (México)
En el lado izquierdo podemos encontrar una inscripción: "Señor, no puede honrar al verso complejo. Pero, oh Señor, toma este trabajo sencillo y humilde, que hizo sus manos mortales". Ángel Zárraga"
En 1910 conoció a Modigliani quien posiblemente fue el modelo de este san Sebastián. La figura de la mujer con vestidos oscuros, en contraste con la luminosidad del santo, pudo estar inspirada en su propia madre.
El San Sebastián de Ángel Zárraga, ha sido interpretado como parte de la iconografía de la comunidad LGTB, esta obra pertenece a su etapa europea, de vuelta a su México, se volvió un fanático religioso.
Salvador Novo decía de él: "Le ungía un prestigio europeo, proporcionalmente mayor a su llegada, que el que adornó a Diego Rivera la más temprana suya... pero en la fecha en que volvió a su patria, ésta había sucumbido en la escuela de Rivera, y la pintura académica, de Ángel Zárraga, resultaba extraña, discordante..."
UN DANDI LLAMADO TOULOUSE-LAUTREC
(Retrato de Tolouse-Lautrec. Giovanni Boldini, 1890. Norton Simon Museum, Pasadena. USA)
El arte de Bolidini en París fue decadente y burgués. Sus retratos, no exentos de cierto humor, muchas veces parecen simples caricaturas.
En este retrato nos muestra a un dandi arquetípico, un parisino elegante, sofisticado, que brilla en su falso esplendor.
Boldini retrata a Lautrec con su estilo característico de gestualidad artificial pero elegante, buscando el efectismo estético. Se trata de un retrato conscientemente decadente.
WRESTLERS (LOS LUCHADORES) Thomas Eakins, 1899. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Los Ángeles (Estados Unidos)
Es considerado el mayor artista del realismo norteamericano del XIX. Generalmente pintaba desnudos o semidesnudos masculinos practicando algún tipo de deporte, con los que parecía expresar mejor lo que debía decir.
Su obra tiene un cierto tono homo-erótico, él era un defensor a ultranza del desnudo en su programa educativo como profesor en la Academia de Bellas Artes.
Por eso llegaría a ser despedido como docente en 1886, al poner un modelo masculino desnudo en un curso de anatomía para mujeres.
Aunque llegó a estar casado, Eakins fue acusado de homosexualidad durante toda su vida, y vistas obras como ésta (que no son escasas en absoluto dentro de su producción), al menos es evidente su interés por el cuerpo desnudo masculino.
Arlequín con espejo. Pablo Picasso, 1923. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)
Picasso realizó este cuadro a la vuelta de Italia, acompañado de su colega Cocteau. Ya tenía más de cuarenta años y hacía ya más de 20 de las pinturas de saltimbanquis, también de la muerte de Carlos Casagemas su amigo del alma.
Pensado como un autorretrato, combina varios personajes del mundo circense y de la Commedia dell'art por los que Picasso se sentía fascinado e identificado a la vez: Arlequín, con el sombrero de dos picos, un acróbata por su vestimenta y Pierrot por su rostro que, convertido en una máscara, camufla la identidad del artista.
Un triste saltimbanqui que se mira en el espejo, pese a la máscara, ve pasar el tiempo, pero Picasso ya no es el joven arlequín que se mira en el espejo. Bajo la pintura está el autorretrato del...
La pintura fue la finalización de la etapa clasicista de Picasso. A partir de ese momento el artista se concentró en un estilo que se ha calificado de cubismo curvilíneo, que desembocaría poco a poco en su etapa surrealista.
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